Искусство Евразии

К вопросу об опыте осмысления русского народного искусства как духовного феномена в отечественных гуманитарных исследованиях

Татьяна Владимировна Вильданова — Ср, 30 сен 2026 00:00:00 +0300

В статье ставится цель выявить и охарактеризовать в историографическом опыте отечественных гуманитарных исследований ряд научных подходов и концептуальных позиций в отношении влияния христианской духовности и церковных искусств на русское народное изобразительно-пластическое творчество. Научная новизна работы определена выбранными методологическими принципами рассмотрения материала, отличными от критериев устоявшейся парадигмы, сфокусированной на дохристианской мифологической образности русского народного искусства. Для последовательного анализа развития философской, историко-филологической и искусствоведческой мысли применены сравнительно-исторический и логический методы, междисциплинарный подход. Такое исследование представляется актуальным на современном научном этапе, когда в связи с процессами глобализации, распространения электронных средств массовой информации и преобладания массовой культуры значительно усиливаются тенденции к национальной самоидентификации, выявлению и анализу ценностных черт отечественной культуры, значительная часть которых закономерно связывается с традицией православия.

Анализ эволюции научных взглядов на проблему влияния христианской духовности и церковных искусств на русское народное изобразительно-пластическое искусство охватывает три основных исторических этапа отечественной гуманитарной науки: дореволюционный, советский и постсоветский периоды. В частности, в статье анализируются научные подходы и концептуальные позиции участников академических экспедиций по просторам России XVIII века (Н.Я. Озерецковского и других), славянофилов (К.С. Аксакова, Ю.С. Самарина, П.В. Киреевского), основоположников академического искусствознания (Ф.И. Буслаева, Н.П. Кондакова, В.В. Стасова), исследователей архаики в советский период (Б.А. Рыбакова, В.А. Городцова), авторов, сфокусировавшихся в советское время на отдельных аспектах проблемы христианской основы отечественного искусства (Г.К. Вагнера, В.М. Василенко, В. Вишневской, О.В. Кругловой), методология академика М.А. Некрасовой в постсоветский период, а также другие научные взгляды и исследования. Подводя итог, можно заключить, что проблема влияния тысячелетней христианской традиции на народную культуру (и изобразительно-пластическое творчество в частности) была актуальна на всех этапах развития отечественной науки. Положительный опыт и недостатки ранних этапов были во многом учтены в постсоветский период, когда представилось возможным глубже рассмотреть весь сложный комплекс проблем русской духовной культуры. В искусствоведении особенно значительные шаги в этом направлении были сделаны в трудах М.А. Некрасовой, а также других ученых.

Духовно-философские основы народных художественных промыслов России и проблема культуронаследования

Юрий Александрович Закунов — Ср, 30 сен 2026 00:00:00 +0300

Актуальность темы связана с проблемой сохранения традиций народного искусства в современной России. Народные художественные промыслы теряют идентичность: размываются их духовно-нравственное содержание и стилистика под влиянием коммерциализации и ведомственной принадлежности, не соответствующей их роли как носителей национального культурного кода. Научная новизна состоит в рассмотрении проблем традиционного искусства через призму культурологического и философского научного аппарата, а также относительно новой области научных исследований — наследования культуры. Ключевые понятия «данность», «заданность» и «осуществление» позволяют систематизировать практику культуронаследования, актуализировать процесс его изучения, увидеть его всеобщий характер и возможность конкретизации основных компонентов в своеобразии (неслиянности) и единстве (нераздельности) применительно к сфере художественного творчества. В статье сделан акцент на православных основаниях русского народного искусства, определяющих целостность его наследования и соотносимых с духовно-эстетическими и нравственными константами формирования российской цивилизационной идентичности, ее фундаментальными основами. Выявлены актуальные методологические и практические проблемы, связанные с дальнейшим развитием народных художественных промыслов, намечены принципиальные пути их решения. Важно сохранение культуры как целостного процесса, в котором главным содержанием являются не столько внешние показатели, сколько усвоение и культивирование в личности внутреннего благодатного духовно-душевно-телесного творческого акта, имеющего самобытный национальный характер и способного интегрировать все слои и аспекты наследования традиции и творческого обновления. Это позволяет русскому народному искусству, пронизанному божественными энергиями Пресвятой Троицы, как культурному наследию пребывать в вечности, быть движущей силой преображения общества и человека.

В реке времени: концептуальное переосмысление адыгского женского костюма в творчестве Мадины Саральп

Фатима Юрьевна Канокова, Аминат Аслангериевна Кабардова — Ср, 30 сен 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена анализу творчества ведущего кавказского художника-модельера Мадины Саральп как примера современного концептуального переосмысления традиционного адыгского женского костюма. Целью исследования является изучение авторского метода Мадины Саральп, выявление основных концептов, лежащих в основе ее подхода к интерпретации традиционного костюма, и осмысление его значения для современного художественного процесса. Исследование обусловлено необходимостью изучения феномена постэтнического дизайна, где национальный костюм становится не объектом музейной репрезентации, а живым медиумом, транслирующим глубинные смыслы. Новизна исследования заключается в комплексном искусствоведческом анализе творчества Мадины Саральп, в рамках которого ее работы рассматриваются не только в качестве образцов высокой моды, но и как произведения концептуального искусства, а ее художественный метод интерпретируется как бережная деконструкция традиционного канона.

В качестве материала исследования использованы музейные и частные коллекции, работы Мадины Саральп, представленные в экспозиции Арт-центра «Madina Saral’p», на международных выставках и в ее авторских публикациях. Методология исследования включает формально-стилистический анализ, семиотический метод интерпретации знаковой системы и культурных кодов костюма как текста, а также историко-культурный и философский подходы. В отличие от более ранних этнографических исследований, сфокусированных на описании бытовых аспектов костюма, настоящая статья рассматривает его как инструмент современного художественного высказывания. В работе делается упор на такие ключевые концепты творчества художника-модельера, как архитектоника силуэта, семиотика деталей, философия «невидимого» и «тишины» в одежде, а также использование современных технологий при сохранении древней логики формы. Выводы статьи демонстрируют, что Мадина Саральп не просто реконструирует прошлое: она создает футурологический проект национальной идентичности, синтезируя художественные традиции адыгов с актуальными тенденциями мирового искусства и выводя костюм своего этноса за рамки ремесла в актуальное концептуальное пространство современной культуры.

Народный промысел «Крестецкая строчка»: опыт сохранения традиций

Наталия Ивановна Ковалева — Ср, 30 сен 2026 00:00:00 +0300

Цель настоящего исследования — проследить сложную историю сохранения художественной традиции народного промысла «Крестецкая строчка» от момента его зарождения в XIX веке до современного возрождения после кризиса 2010-х годов, а также показать реальные возможности сохранения самобытности для других центров народного искусства России. В основу исследования положены труды известных исследователей промысла, зафиксировавших основные этапы его истории в разные периоды. Сведения о промысле за последние десятилетия собраны автором во время личного общения с художниками и владельцами фабрики. Были использованы историко-искусствоведческий анализ, изучение и обобщение ранее опубликованных научных трудов, анализ архивных и музейных данных, метод визуального описания и атрибуции произведений декоративно-прикладного искусства, а также эмпирический метод. В статье рассматривается эволюция крестецко-валдайской строчки — от домашнего ремесла до организации артелей и создания фабрики «Крестецкая строчка» в 1960 году. Автор анализирует факторы, способствовавшие развитию промысла, и трудности, возникавшие на разных этапах его существования. Особое внимание уделяется роли ключевых фигур в истории и изучении промысла: Л.А. Динцеса, П.И. Архиреева, художников Н.М. Жигуновой, М.Е. Афанасьевой, современных владельцев Антона и Александры Георгиевых. Материалом служат конкретные произведения строчевого искусства, этапы пополнения музейных коллекций, а также события глубокого кризиса 2010-х годов. Подробно показан процесс возрождения промысла с 2015 года. Таким образом, опыт «Крестецкой строчки» демонстрирует долгий и сложный путь сохранения художественной традиции, включающий периоды расцвета, почти полного уничтожения и последующего возрождения. Благодаря усилиям новых собственников, привлечению искусствоведов и возвращению опытных мастеров непрерывность традиции была сохранена. Это доказывает, что даже после глубокого кризиса возможно сохранение самобытного народного промысла на родной земле, что представляет реальный пример для других центров народного искусства России.

Выставочный проект «Русская традиция»: новый этап изучения художественных и духовных традиций русского народа

Наталия Ивановна Ковалева, Марина Александровна Сорокина — Ср, 30 сен 2026 00:00:00 +0300

В статье анализируется выставочный проект Государственного Русского музея «Русская традиция», подготовленный авторами публикации. Представлен обзор состава экспозиции, структуры и содержания выставок проекта, проходивших в трех музеях Российской Федерации в 2025–2026 годах, его научная концепция, цели и задачи, состоящие прежде всего в исследовании духовных и художественных традиций. На основе междисциплинарной методологической базы исследования показаны принципы построения экспозиции выставки народного искусства в художественном музее. Поскольку единая методология для изучения междисциплинарных выставок пока не выработана, их комплексный анализ остается одной из малоисследованных областей, что и определяет обращение к этой теме в данной публикации.

При разработке концепции выставки авторы опирались на теоретические труды М.А. Некрасовой, И.Я. Богуславской, Т.М. Разиной и других исследователей народного искусства, однако в основу настоящей статьи положен многолетний опыт выставочной работы, практика общения с художниками и мастерами народного искусства, опыт подготовки ряда изданий по проблемам, сконцентрированным в проекте «Русская традиция». Это позволило представить современные научные взгляды на историю народного искусства и народного творчества в России.

Систематизация приведенных фактов дает возможность глубокого рассмотрения понятия «традиция», а также актуальных вопросов современного состояния традиционного искусства. Вводятся в научный оборот ранее не публиковавшиеся новейшие данные о состоянии и трансформации промыслов на рубеже XX и XXI веков, а также произведения, предоставляемые их авторами для участия в выставках в Русском музее.

Особое внимание направлено на личность хранителя традиции. Наряду с народными мастерами и художниками разных видов народного искусства и целых предприятий, рассматривается деятельность такого выдающегося художника, как В.М. Зайцев; современных коллективов, которые проводят исследовательскую работу по изучению русского традиционного костюма, кукол в традиционном костюме и прочего. Представлено теоретическое осмысление концепции «хранители традиции» как особых творческих личностей, духовно связанных с культурой и природой края, носителей традиции коллективного опыта, народного эпоса.

Опираясь на собственный экспозиционный и издательский опыт, а также принимая во внимание реакцию научно-музейного сообщества, авторы приходят к выводу, что научная новизна выставочного проекта заключается в многоплановости поставленных и выполненных задач: это детальный рассказ о духовных традициях русского народа, выраженных средствами искусства, и одновременно повествование о судьбах народного творчества.

Кукла в традиционном костюме: история и современность

Ср, 30 сен 2026 00:00:00 +0300

В исследовании ставится цель проследить эволюцию куклы в традиционном костюме, рассмотреть актуальные творческие проблемы создания куклы, а также провести типологизацию работ современных мастеров-кукольников. Эти аспекты на сегодняшний день не нашли отражения в отечественном сегменте искусствознания. Материалом исследования стали хранящиеся в музеях образцы исторической куклы XVIII–XIX веков, а также работы современных мастерских и этнологических клубов. Эмпирическую базу исследования составили материалы, полученные авторами в ходе личного общения с мастерами, занимающимися восстановлением и популяризацией традиционной куклы. Рассмотрены проекты клубов «Параскева» (Санкт-Петербург), «Супрядки» (Тверь), мастерской «Кукол много не бывает» (Санкт-Петербург) и других коллективов, создающих реплики исторических кукол и композиции на основе народных обрядов, ремесел и бытовой культуры. Концептуально выделены три современных подхода к созданию куклы: точная этнографическая реплика, авторская стилизация, сюжетная композиция. Показано, что современные авторы сохраняют старинные технологии изготовления костюма и куклы, но переосмысливают традицию через художественные выставки и культурные проекты. Сделан вывод о том, что кукла в традиционном костюме сегодня становится не только объектом декоративного искусства, но и важным средством сохранения исторической памяти, национальной идентичности и интереса к культурному наследию народов России. Перспективным направлением дальнейшего развития обозначено обращение к традиционным костюмам разных народов многонациональной России.

Ямбургский (стремленский) гончарный промысел

Ирина Андреевна Колобкова — Ср, 30 сен 2026 00:00:00 +0300

В статье представлены итоги исследовательской работы, посвященной изучению истории традиционного гончарного промысла, располагавшегося во второй половине XIX века в Стремленской волости Ямбургского уезда Санкт-Петербургской губернии (ныне Кингисеппский район Ленинградской области). Гончарство этих мест принадлежит культуре древнего финно-угорского народа ижора, населявшего берега Финского залива, Невы и Южного Приладожья. Часть статьи посвящена историографии вопроса. Некогда крупный ямбургский (в варианте названия стремленский) гончарный центр, снабжавший своей продукцией западную часть губернии, пришел в упадок в 1950-х годах. До недавнего времени ямбургский гончарный центр числился среди малоизвестных. В 2010-х годах начался процесс его возрождения, инициатором которого стал небольшой муниципальный «Ижорский музей», расположенный на Сокинском полуострове — в центре исторической территории народа ижора. Новый этап развития промысла представлен в связи с открытием при Ижорском музее специализированного здания «Центра ижорского языка и мастерства», строительство которого в 2019 году осуществила компания «Северный поток – 2». Современные мастера гончарной мастерской Центра изучили богатые в своих проявлениях художественно-ремесленные особенности местного традиционного гончарства, подняли из раскопок горнов и воссоздали весь спектр аутентичных керамических предметов времени расцвета промысла конца XIX – начала XX века. Значительное внимание в статье уделено традиционной игрушке ижор, выделяющейся качествами яркого художественного своеобразия на фоне широко известных центров глиняной игрушки — дымковской, каргопольской, филимоновской. Исследованы исторические корни ямбургской игрушки. Возрождение ямбургской глиняной пластики освещено как особое направление в работе современных мастеров.

Фарфор с ручной росписью провинциальных заводов России 1950–1980-х годов: поиск народных начал и русских традиций

Наталья Евгеньевна Коновалова — Ср, 30 сен 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена актуальной проблеме современного искусствознания — изучению специфики отечественного массового промышленного фарфора второй половины XX века и сохранению наследия народных художественных промыслов в условиях индустриальной культуры. Постепенный переход тиражных изделий этого периода в категорию музейных артефактов требует детальной классификации и искусствоведческой переоценки их формообразования и декора. Цель исследования заключается в выявлении и научном описании типологии декора промышленных фарфоровых изделий, созданных в народных традициях, на примере тиражной продукции с ручной кистевой росписью, выпускавшейся провинциальными заводами России в 1950–1980-е годы. В работе применены формально-стилистический и сравнительный искусствоведческий анализ чайной посуды. Подробно рассмотрены две ключевые типологические модели «народного» в декоре советского фарфора: первая — основанная на творческой стилизации национального узора (орнаменты вышивки, резьбы, книжной миниатюры), вторая — базирующаяся на прямой трансляции устойчивых канонов и приемов традиционной кистевой росписи («агашкового письма» и др.). На основе анализа широкого круга изделий Кузяевского, Первомайского, Хайтинского, Южно-Уральского, Сысертского, Богдановичского и Прокопьевского заводов прослежены пути распространения и локальной адаптации традиций «московской фарфоровой школы» и гжельского ремесла в отдаленных регионах страны (на Урале и в Сибири). Определена роль фарфоровых предприятий так называемого «второго круга» в продолжении традиционных народных начал в дизайне массовой продукции.

Феномен «орнаментализма» в творчестве М.М. Носова как переходный этап от фольклорного канона к профессиональному искусству Якутии

Юлия Владимировна Кравцова — Ср, 30 сен 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена трансформации традиционной якутской культуры в профессиональное изобразительное искусство на рубеже XIX–XX веков и в советский период. Важнейшим фактором сохранения этнокультурной идентичности в условиях модернизации стало зарождение национальной художественной школы. На переломном этапе перехода от фольклорного мышления к академическому реализму ключевой фигурой синкретического типа выступил М.М. Носов — художник, этнограф и исследователь. Монографическое изучение его наследия позволяет выявить механизмы интеграции визуального языка народной пластики в индивидуальное авторское творчество. Цель исследования заключается в комплексном анализе роли традиционного наследия как фундамента творчества М.М. Носова. Через призму фольклорных истоков в работах художника раскрывается феномен его «орнаментализма» и определяются стилевые маркеры переходного периода.

В основе исследования лежит междисциплинарный подход. Формально-стилистический анализ применен для изучения живописной пластики произведений, специфики ритмической организации холста и плоскостно-декоративной манеры письма мастера. Иконографический подход привлечен для детального разбора знаковых картин и дешифровки визуальных кодов эпоса олонхо. Культурно-антропологический метод позволил интерпретировать семантику традиционного быта, костюма и ритуальных практик, зафиксированных в четырехтомном этнографическом атласе М.М. Носова. В ходе исследования прослежена творческая эволюция мастера — от периода строгой документальной описательности и фиксации материальной культуры (в картинах и графических листах 1920–1930-х годов) до создания зрелых станковых произведений и эпических пейзажей и тематических композиций («Древний якутский танец», «Якутский натюрморт», «Долина Эркээни»). Выявлены объективные стилистические ограничения переходного этапа (редукция планов, плоскостность, фактологическая точность), и доказано их постепенное преодоление в поздний период.

Современное искусство аула Кубачи

Олеся Сергеевна Радько — Ср, 30 сен 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена современному кубачинскому ювелирному искусству. Цель данного исследования — проанализировать формирование художественного языка мастеров текущего столетия, а также представить эволюцию златокузнечного промысла аула. В статье дается оценка состояния кубачинской ювелирной отрасли рубежа XX–XXI веков, описываются проблемы и перспективы ее развития в настоящее время. Для искусствоведческого анализа выбраны произведения Лейлы Изабакаровой, Дауда Куртаева, Алибега Куртаева, братьев Тимура и Рабадана Акаевых. Описание исследуемых предметов декоративно-прикладного искусства дает представление о том, что каноническое по своей природе кубачинское искусство продолжает развиваться в XXI веке. Демонстрируя бережное отношение к художественному наследию предков, эти мастера используют устоявшиеся веками техники и технологии создания серебряных изделий, но при этом трансформируют традиционные орнаментальные и композиционные решения в привычных для аула формах предметов декоративно-прикладного искусства. На основании проведенного анализа можно сделать вывод о том, что рассматриваемые художники соединяют в своих работах традиции и новации. В статье использованы архивные и собственные полевые данные, собранные в ходе поездок в Кубачи, а также интервью с художниками-ювелирами. В научный оборот вводятся предметы декоративно-прикладного искусства, созданные современными кубачинскими художниками-ювелирами в начале XXI века.

Развитие гжельского промысла в творчестве ведущих художников: от классики к современности

Татьяна Алексеевна Сивова — Ср, 30 сен 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена исследованию механизмов сохранения традиций искусства Гжели в XX–XXI веках, а также преемственности между поколением мастеров, возрождавших промысел в послевоенные годы, и современными художниками, определяющими его развитие в XXI веке. Если послевоенный период «возрождения» Гжели (1940–1970-е) и творчество его основоположников исследованы фундаментально, то нынешнее состояние промысла и художественные процессы последних десятилетий во многом остаются малоизученными. В искусствоведении наблюдается очевидный недостаток опубликованных биографических данных о мастерах новейшего времени, а также нехватка теоретического осмысления того, как именно Гжель функционирует сегодня, выходя за рамки коммерческого тиражирования и сохраняя статус высокого авторского искусства. Через сопоставление творческих судеб и художественного языка Т.С. Дунашовой и Е.Б. Сухоруковой в статье прослеживается эволюция гжельского стиля на протяжении почти восьми десятилетий и раскрывается процесс переосмысления канона традиционного искусства в современном контексте. В научный оборот вводятся важные биографические данные, фиксирующие живую традицию промысла. Исследование опирается на искусствоведческий анализ конкретных произведений и творческих стратегий мастеров, сопоставление этапов формирования канона Гжели и его новой интерпретации в конце XX – начале XXI века, а также на разбор техники росписи (мазка с тенями), композиционных принципов и формообразования. Особое внимание уделено роли плеяды художников-выпускников Абрамцевского училища 1980-х годов, расширивших пластические и сюжетные границы ремесленного промысла.

Современное кружево России

Марина Александровна Сорокина — Ср, 30 сен 2026 00:00:00 +0300

В исследовании ставится цель обобщить сведения о современном положении традиционных центров кружевоплетения. Сделан обзор современных кружевных фирм и предприятий, отмечены меры государственной или муниципальной поддержки кружевоплетения как одного из видов народного искусства, приведены примеры частной инициативы в создании условий для сохранения и развития кружева, поддержки образовательных программ, обеспечивающих популяризацию кружева в обществе. Вводятся в научный оборот ранее не публиковавшиеся новейшие данные о состоянии и трансформации российских кружевных промыслов в первой половине 2020-х годов, а также произведения, предоставляемые их авторами для участия в выставках в Государственном Русском музее и других музеях. В основу исследования положены материалы личных встреч с мастерами и художниками, работающими в настоящее время в разных центрах кружевоплетения, в учебных заведениях, а также личные впечатления от участия в фестивалях кружева «Vita Lace» и других. Систематизация этих фактов позволяет рассмотреть современные проблемы развития кружевоплетения. Она также помогает изучить соотношение профессионального и любительского начал в народном искусстве, которое требует дальнейшего исследования.

Образы народных лубочных картинок в театральных эскизах учащихся Императорского Строгановского училища 1910-х годов

Андрей Владимирович Трощинский — Ср, 30 сен 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена рассмотрению нескольких малоизвестных эскизов театральных занавесов и панно, выполненных учащимися Императорского Строгановского училища в начале XX века для русской сцены. Цель исследования — выявление стилистических и иконографических связей между визуальным языком лубка и ранней сценографией строгановцев. Отмечена такая особенность творчества молодых художников, как их приверженность русскому стилю, выраженная в интерпретации произведений национальной старины: иконописи и народного лубка. Применение формально-стилевого анализа, иконографического и культурно-исторического методов позволило проследить изменение стилистики театральных эскизов строгановцев: от академического интереса к национальной старине к балаганному гротеску и протокубистической стилизации. Определено, что эволюция была обусловлена процессами острой демократизации культуры, распространением авангардных веяний, набиравших силу в предреволюционный период, а также происходившими переменами в технике сцены, усовершенствованием декоративно-постановочной стороны театра. В рамках исследования в научный оборот вводится пласт нового фактологического и изобразительного материала, связанного с деятельностью декоративно-театральной мастерской Императорского Строгановского училища 1910-х годов.

Падмантака

Локеш Чандра; Софья Михайловна Белокурова — Ср, 30 сен 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена обзору иконографии Падмантаки — божества, являющегося одним из «десяти гневных царей» и защищающего границы священного пространства, — в различных художественных и религиозных контекстах. Описаны варианты иконографии этого персонажа, бытовавшие в индо-гималайском и центральноазиатском регионах: от ранних образов XV века в неварском монастырском комплексе Чусья баха в Катманду до ксилографических изображений в монгольском Ганджуре начала XVIII века, а также в мандалах, зафиксированных в санскритском трактате «Нишпаннайогавали». Эти памятники демонстрируют разнообразие региональных художественных традиций Непала, Тибета и Монголии. В обзоре кратко освещаются ключевые особенности девяти иконографических форм божества (имеющих от двух до восьми рук), число его ликов, распределение священных атрибутов в правых и левых руках, а также ритуальные позы и символика удерживаемых предметов. Статья основана на обширном историческом и иконографическом материале, включающем классические тексты буддийской традиции, ксилографические сборники, описания буддийских мандал, а также современные исследования по восточной иконографии и буддийскому искусству. Представленные сведения могут быть использованы для точной атрибуции и интерпретации изображений Падмантаки, а также для изучения эволюции образов гневных божеств в искусстве северного буддизма. Научный перевод и комментарии к статье Локеша Чандры из «Словаря буддийской иконографии» выполнены С.М. Белокуровой.

«Образ Страшного суда» как пример многофигурной композиции в «мягком пейзаже» ветковской иконописной традиции

Ольга Васильевна Афанасьева — Ср, 30 сен 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена описанию и сравнительному анализу двух памятников ветковской иконописной традиции на сюжет «Образ Страшного суда». Цель работы — выявление общих и отличительных иконографических особенностей, отражающих целостность старообрядческой культуры Ветковского региона, уникальность и многообразие местной иконописной школы. Один из памятников (из собрания культурно-просветительского центра-музея «Древнерусская книжница» в Бендерах, Приднестровская Молдавская Республика) впервые вводится в научный оборот, второй (из Ветковского музея) рассматривается в новом контексте. В ходе исследования прослеживается влияние богословских текстов (в частности «Жития Василия Нового») и фольклора на формирование иконографических изводов. Особое внимание уделяется таким характерным чертам ветковской школы, как «мягкий пейзаж», объединяющий регистры композиции, жизнеутверждающий характер изображения Рая и Царства Небесного, а также диалогичность, обращенная к зрителю. Сделан вывод, что, несмотря на следование канону, ветковские мастера создавали вариативные и эмоционально насыщенные композиции, которые стали связующим звеном для всего старообрядческого мира и сохранили свою актуальность в местах миграции ветковцев.

Пространство и время в иконе Ветки: «Рождество Богородицы»

Галина Григорьевна Нечаева — Ср, 30 сен 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена анализу иконографии «Рождества Богородицы» в регионе Ветки и Стародубья XVIII–XIX веков. Цель исследования — выявить композиционные и семантические особенности ветковских икон, а также определить источники художественной свободы мастеров, обеспечивающей узнаваемость сюжета при значительной вариативности. Материалом послужили 12 памятников из фондов Ветковского музея старообрядчества и белорусских традиций, собранных в 1983–2023 годах, а также записи экспедиций. Методологическую основу составляет сравнительно-исторический анализ, сопоставляющий визуальные тексты икон с вербальными источниками: иконописными подлинниками, апокрифами (Первоевангелие Иакова), четьими минеями и рукописными сборниками. Особое внимание уделяется концепции «народной иконологии» — устной традиции понимания и трактовки символики, а также влиянию личного заказа на формирование композиции.

Икона представлена как «текст, порожденный множеством текстов», где соединяются книжная культура и фольклорные представления. Центральное место занимает образ пространства-времени и способы его создания в иконе. В фокусе внимания — применение мастерами приемов «прозрачного домика» и сферической перспективы, а также адаптация элементов барокко, рококо и ампира. Изучение композиционных схем охватывает диапазон от «монотекстов» с покадровым развертыванием события по логике подлинника до многочастных икон, где «Рождество Богородицы» включено в структуру семейного «Целебника». В итоге обнаруживается, что пространственно-временное моделирование опирается на архетип «доброчадия» — благополучного рождения, отвечавшего духовным запросам старообрядческой общины в условиях изгнания.

Научная новизна работы заключается в комплексном подходе, впервые объединяющем анализ стилистических заимствований из светской архитектуры, семантику сакрального пространства и данные устной традиции. Сделан вывод, что ветковская икона представляет собой не копийное воспроизведение образца, а живую, развивающуюся текстовую структуру, способную к вариативности в рамках канона. Свобода художественной трактовки, обеспеченная лаконичностью вербальных описаний и активной ролью заказчика, стала основой для формирования уникального «строительного стиля» и многоуровневой семантики, характерной для ветковской иконописной школы.

Юрий Ерышев — художник Великого Новгорода: духовность, пейзаж, портрет в свете авангардных и ренессансных традиций

Лев Дмитриевич Коган — Ср, 30 сен 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена исследованию творчества Юрия Ерышева, идейно-стилистическому анализу его произведений, определению оригинального творческого метода художника в контексте общероссийских и мировых художественных процессов. В искусстве Юрия Ерышева с глубиной и художественной убедительностью воплотилась жизнь Великого Новгорода — его прошлое и настоящее. Выделены четыре ключевые проблемы творчества живописца: художественное воплощение «новгородской духовности» (через гармонию природного и рукотворного, радостную монументальность, сложный ритм); индивидуальная трактовка архитектурно-художественного пейзажа (здание как открытая миру форма, близкая пантеистическому мировосприятию); актуализация традиций авангарда («Бубновый валет») и Возрождения в портрете и натюрморте; своеобразие авторской трактовки портретного жанра. На примере картин «Новгородская София. Полдень», «Лед с Ильменя пошел», «Помолвка», «Юная флейтистка» и других показано, как Ерышев синтезирует локальную новгородскую традицию с общеевропейскими художественными течениями. В статье анализируется этот синтез региональных принципов (новгородской школы) и мирового наследия (авангарда, Ренессанса). Сделан вывод, что искусство живописца выходит за рамки регионального, отражая процессы размывания границ между центром и периферией в современной культуре. Статья является первым научным исследованием деятельности художника.

Графика Владимира Мешкова в собрании Государственного художественного музея Алтайского края

Виктория Игоревна Крылова — Ср, 30 сен 2026 00:00:00 +0300

В статье анализируются произведения народного художника РСФСР Владимира Ильича Мешкова (1919–2012), хранящиеся в собрании Государственного художественного музея Алтайского края (г. Барнаул). Эти работы сибирского графика исследуются впервые; также предпринята первая попытка изучить историю формирования фонда и рассмотреть его как источник понимания эволюции творческого метода художника. Целью работы является оценка значимости собрания в контексте исследования творческого пути мастера. В ходе анализа изучен состав коллекции по технике исполнения, тематике и хронологии; предпринята попытка проследить в произведениях стилистическую эволюцию художника. Кроме того, уточнена датировка ряда произведений. Определено, насколько полно собрание отражает этапы творческого пути В.И. Мешкова, а также его технические и тематические поиски. Методология включает историко-биографический анализ (связь этапов биографии с творческим развитием), формально-стилистический анализ художественных решений (композиции, колорита, образного строя) и сравнительный метод (сопоставление работ разных периодов творчества). В научный оборот впервые введены материалы музейного архива и документы поступления произведений, дающие возможность восстановить хронологию формирования коллекции. Результаты показали, что собрание охватывает ключевые этапы творчества В.И. Мешкова (1950–1980-е годы) и наглядно демонстрирует эволюцию его графического языка: от ранних линогравюр и литографий, выполненных в реалистическом ключе, к работе с обобщенными формами и насыщенными контрастными цветами. Выявлено, что в музейном собрании хранятся произведения, представляющие ведущие темы в творчестве художника, включая северную (Эвенкия, Таймыр) и ленинскую темы, а также серию портретов «Мои современники». Определено, что коллекция графики В.И. Мешкова в Государственном художественном музее Алтайского края служит надежной основой для реконструкции творческого пути автора. Она позволяет проследить развитие его художественного метода и дает полноценное представление о тематико-сюжетной составляющей его творчества.

Искусство Сибири второй половины ХХ века: векторы развития

Владимир Фёдорович Чирков — Ср, 30 сен 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена проблеме периодизации и определению содержательного наполнения изобразительного искусства (живописи и графики) Сибири второй половины XX века в динамике его развития. Особое внимание уделяется периоду после кратковременного расцвета советского «сурового стиля», когда интересы местных авторов сместились к поиску уникальных региональных и этнографических истоков. На основе системно-исторического подхода, формально-стилистического и иконологического анализа произведений живописи и графики в работе выявляются региональная специфика и механизмы формирования сибирских художественных практик в их связи с общероссийским контекстом, раскрывается многообразие ключевых творческих направлений региона. В результате представлен обзор истоков и динамики сибирского искусства во второй половине XX века через призму четырех взаимодополняющих векторов развития, включающих в себя лирико-эпический пейзаж, живописно-декоративный вектор, «сибирскую неоархаику» и, наконец, вектор диалога академической традиции и авангарда (формально-концептуальный синтез). Сделан вывод, что сибирское искусство в рассматриваемый период представляет собой сложный полистилистический процесс, успешно преодолевший эклектику и достигший цельности формы. Обоснованы самобытность и экстерриториальный характер регионального искусства, фиксирующего ментальную связь человека с ландшафтом и мифопоэтической картиной мира, а также его статус как неотъемлемой и обогащающей части общероссийского и мирового художественного наследия.

Натюрморт «Цветы на столе» Л.Н. Пастушковой: опыт композиционно-семантического анализа

Михаил Юрьевич Шишин — Ср, 30 сен 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена исследованию натюрморта «Цветы на столе» (2026) современной алтайской художницы Л.Н. Пастушковой. Обоснован тезис о том, что жанр натюрморта способен выходить за рамки салонной эстетики, становясь носителем глубокого философского и символического содержания. В работе применяется комплексный подход, сочетающий композиционный, семиотический, герменевтический и историко-генетический методы анализа. На основе детального разбора композиционно-семантического строя полотна, а также серии сохранившихся подготовительных карандашных набросков и пастельных этюдов раскрывается постепенная эволюция авторского замысла. Исследование выявляет скрытые символические и антивоенные смыслы произведения, обусловленные его форматом, пространственно-композиционным и колористическим решением. Предлагается оригинальная интертекстуальная интерпретация картины через призму известной антивоенной баллады. Научная новизна исследования заключается в детальном искусствоведческом разборе новой работы Л.Н. Пастушковой и введении ее в научный оборот.

От редактора

Михаил Юрьевич Шишин — Ср, 30 сен 2026 00:00:00 +0300

№ 3 (42) журнала «Искусство Евразии» посвящен народному искусству и сохранению национального культурного кода. Исследования раскрывают влияние различных пластов духовной культуры на традиционные художественные промыслы, современные творческие практики и процессы культуронаследования.

Репрезентация зрителя в натюрморте: от барочной скрытой символики XVII века к феноменологии восприятия у Клода Моне

Ольга Викторовна Левочка — Ср, 30 сен 2026 00:00:00 +0300

С опорой на анализ Нормана Брайсона в статье рассматривается оппозиция между перегруженным культурными кодами, символами и смыслами натюрмортом барокко XVII века и натюрмортом импрессионизма, который обращается непосредственно к зрительному восприятию, фиксируя мгновенное впечатление от света, цвета и формы, а не к культурной памяти. Однако подобное противопоставление оставляет в тени ключевой вопрос: каким образом в этих традициях конструируется сам зритель и где именно локализуется символическое — в изображенном предмете или в акте восприятия?

Через призму философии восприятия Мориса Мерло-Понти, для которого зрение — телесный способ ощущения мира, а не пассивная расшифровка информационного потока, формы видения (Sehform) Генриха Вёльфлина, где стиль определяется тем, как эпоха организует пространство, свет и линию, и исследования зрителя у Дэвида Фридберга, где воздействие искусства происходит напрямую, минуя разум и обращаясь к телу и чувствам, голландский натюрморт и натюрморты Клода Моне анализируются как две принципиально разные модели репрезентации зрительского опыта. Тем самым выдвигается гипотеза о коренном переломе в «истории ответа»: от скрытой символики, зашифрованной в предмете, к способности взгляда рождать смысл, где свет, цвет и мазок — не иллюстрация готового содержания, а место, где рождается сам символ.

Статья демонстрирует смещение исследовательского фокуса от описания мотивов и стилей к анализу конструирования позиции зрителя. Предложенное теоретическое соединение расширяет инструментарий анализа натюрморта и применимо к исследованию более поздних форм визуальности, включая модернизм и современное искусство.