Искусство Евразии

Интерпретация японской традиции в современных арт-практиках Татьяны Баданиной и Владимира Наседкина

Ксения Геннадьевна Баданина — Вт, 30 июн 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена творчеству современных российских художников Татьяны Баданиной и Владимира Наседкина в контексте их многолетнего сотрудничества с японскими арт-проектами: триеннале современного искусства «Этиго-Цумари» и фестивалями «Итихара арт микс». Несмотря на широкое признание и регулярное участие мастеров в крупных международных форумах, до настоящего времени комплексное исследование, связывающее их индивидуальный художественный язык с дальневосточной эстетикой, отсутствовало. Данная работа восполняет пробел в изучении межкультурного диалога России и Японии в области современного непредметного искусства. Цель исследования состоит в том, чтобы систематизировать проекты Т. Баданиной и В. Наседкина, реализованные в Японии в период с 2015 по 2024 год, проанализировать их философскую и художественную связь с японской традицией и выявить причины глубокого резонанса их работ с местным культурным контекстом. Материалом послужили произведения 14 творческих проектов, созданных специально для префектуры Ниигата (остров Хонсю) и Токио, включая знаковые инсталляции. Методологическая база исследования включает искусствоведческий анализ структуры произведений и сравнительно-типологический метод, позволивший сопоставить эстетику российского минимализма с японской концепцией «пустоты». Работа опирается на интервьюирование и анализ авторских концепций (включая неопубликованные аннотации), что раскрывает внутреннюю логику проектов. В результате впервые проведено искусствоведческое описание «японского цикла» Т. Баданиной и В. Наседкина, которое показало, что близость их работ японскому менталитету обусловлена не внешним подражанием, а глубоким совпадением этико-философских установок: поиском великого в малом и сакрализацией повседневного бытия. Творчество художников опирается на общие с японской культурой принципы: минимализм как способ выражения всеобъемлющего ритма Вселенной, сакральное отношение к материалу (бумаге, дереву) и значимость паузы. Вовлечение местного населения и использование локальных материалов (почвы, традиционной одежды «нараги») превращает проекты в важную часть культурной памяти региона.

Фэйтянь как элемент верхнего регистра в пещерах Могао № 220 и № 103: к вопросу о визуальном порядке танского ансамбля

Сюйдун Бай — Вт, 30 июн 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена роли фэйтянь (образов небесных существ буддийского пантеона) в организации верхнего регистра двух танских пещер Могао — № 220 раннего Тан и № 103 высокого Тан. Под искусством Дуньхуана в работе понимается не только совокупность отдельных фресок и скульптур, но и целостная система буддийского пещерного ансамбля, где архитектура, живопись, пластика, орнамент и маршрут зрительского восприятия связаны между собой. Фэйтянь рассматриваются как небесные существа и участники буддийского визуального пространства: они летят, танцуют, музицируют, рассыпают цветы и совершают подношения Будде. В пещерах Могао эти фигуры размещаются на сводах, над нишами и в верхних зонах стен, поэтому их значение не исчерпывается декоративной функцией. Цель статьи — показать, каким образом фэйтянь участвуют в построении визуального порядка конкретного ансамбля. Материал составляют опубликованные исследования о дуньхуанской стенописи, пространственном опыте Могао и иконографии Вималакирти, а также визуальное сопоставление композиций двух пещер. Анализ строится по четырем параметрам: положение фигур в пещере, характер движения, отношение к входу и нише, участие в организации верхнего регистра. Сопоставление показывает, что в пещере № 220 фэйтянь образуют распределенный верхний пояс, связывающий южную, северную и западную зоны и поддерживающий полицентрическую структуру раннетанского ансамбля. В пещере № 103 их роль становится более локальной: они акцентируют верх северной стены и подчиняются более собранному порядку высокого Тан. Тем самым фэйтянь выступают не как второстепенный орнаментальный мотив, а как показатель изменения пространственной логики дуньхуанской стенописи.

Монастырь Амарбаясгалант: принципы архитектурно-пространственной организации и стилистические особенности

Дайчингийн Боргил, Доржсурэнгийн Уранчимэг — Вт, 30 июн 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена изучению важного, но недостаточно изученного архитектурно-храмового ансамбля буддийской архитектуры в Монголии — монастыря Амарбаясгалант, строительство которого было начато в 1727 году по инициативе великого государственного деятеля и просветителя Дзанабадзара. Исследование основано на анализе архитектурных особенностей монастыря, его топографического расположения, планировочной структуры и декоративных элементов. В качестве источников используются опубликованные данные, иллюстрации и результаты археологических изысканий. Проанализированы основные особенности пространственного решения и конструктивные принципы, положенные в основание архитектурной концепции монастыря. Показано, что их сложение стало результатом уникального синтеза разных национальных художественных традиций (монгольской, тибетской, китайской), на базе которых сформировался неповторимый стиль монгольского зодчества. Особое внимание уделяется символическому значению пространства монастыря, в том числе в контексте проведения религиозно-обрядовой мистерии цам, включающей хореографию, костюмное оформление, маски и музыкальное сопровождение. Монастырь служит важным объектом культурного наследия и представляет значительный интерес для дальнейших исследований взаимосвязи зодчества, религии и традиционной культуры.

Реставрация архитектурных построек района Хуэйчжоу: практика восстановления дома Шу Гоаня

Сянь Ван, Мария Викторовна Воронова — Вт, 30 июн 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена системному анализу подходов к реставрации и сохранению архитектурного наследия исторического региона Хуэйчжоу (Китай) на примере практики восстановления дома Шу Гоаня. Исследование фокусируется на объектах, созданных в период с XVI по начало XX века, в эпоху расцвета хуэйчжоуской купеческой культуры, с детальным научно-практическим разбором процесса реставрации указанного памятника. Для проведения исследования были задействованы историко-хронологический метод, эмпирические методы (натурное обследование, метод мониторинга, интервьюирование), а также сравнительно-сопоставительный и проблемный анализ. Материалами для данного исследования послужили архитектурные объекты исторического региона Хуэйчжоу, созданные в период с XVI по начало XX века, включая детально изучаемый дом Шу Гоаня. Эмпирическую базу составили данные натурных обследований, зафиксировавших физическую деградацию материалов и состояние исторической среды. Источниковую базу работы представляют документальные материалы по государственной охране памятников, проекты адаптивной реконструкции и музеефикации, а также данные социоэкономического анализа, касающиеся вопросов управления наследием и дробления прав собственности на памятники такого типа.

В работе дана структурно-типологическая характеристика хуэйчжоуской архитектуры, чьи аутентичные черты, сформировавшиеся в указанный период, определяются комбинированной деревянно-каменной конструкцией, внутренней планировкой с замкнутыми дворами («саньхэюань», «сыхэюань»), экологически сбалансированной организацией поселений и их социокультурной функцией как центров клановой жизни. Данное наследие сталкивается с комплексом современных вызовов: физической деградацией материалов, функциональным устареванием пространств, нарушением исторической среды поселений и сложностями управления, обусловленными дроблением прав собственности. В исследовании классифицированы современные практики сохранения, среди которых выделены три модели: государственная охрана памятников; адаптивная реконструкция с приспособлением под новые функции; музеефикация и историческая реконструкция, вплоть до переноса объектов. В качестве примера детально рассмотрен проект реставрации дома Шу Гоаня, в рамках которого апробированы такие инструменты, как многоуровневая оценка культурной ценности с учетом периода постройки, применение цифровых технологий документирования и моделирования, а также функционально-пространственная оптимизация, учитывающая историческую планировку. Выводы исследования формируют теоретико-методическую базу для разработки стратегий устойчивого развития и современного приспособления архитектурного наследия Хуэйчжоу с учетом его историко-хронологического контекста.

Идеология и творчество: путь Чон Ёнмана в изобразительном искусстве КНДР второй половины XX века

Екатерина Александровна Вострикова — Вт, 30 июн 2026 00:00:00 +0300

В условиях слабой изученности изобразительного искусства КНДР в российском и зарубежном искусствознании данное исследование представляет собой первый в отечественной науке опыт анализа биографии и творческого наследия Чон Ёнмана (1938–1999) — одного из наиболее влиятельных мастеров северокорейской живописи второй половины XX века, ведущего художника направления чосонхва. Автор рассматривает Чон Ёнмана не только как канонизированную фигуру официального искусства КНДР, но и как мастера с ярко выраженной индивидуальной творческой стратегией. В центре внимания находится институциональный и идеологический статус живописца, анализируются основные этапы его профессионального становления, а также художественный метод и стилистическая эволюция. В статье представлены произведения Чон Ёнмана, посвященные образам вождей; особое внимание уделяется идеологическому содержанию пейзажей мастера. Методологическую основу составили элементы биографического и историко-культурного подходов, контекстуальный анализ, учитывающий институциональные и идеологические условия функционирования искусства в КНДР, а также формально-стилистический и иконографический анализ с соблюдением критической дистанции в отношении исследуемого материала, что позволило рассмотреть творчество Чон Ёнмана как значимый феномен северокорейской художественной культуры, существенно расширивший выразительные возможности чосонхва в условиях жестко регламентированной идеологической системы. Источниковую базу составляют более восьмидесяти произведений художника.

Декоративно-прикладное искусство империи Тан (на примере металлических предметов столовой посуды): техники изготовления, стиль, орнаментальная декорация

Юсинь Ли, Доржсурэнгийн Уранчимэг — Вт, 30 июн 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена комплексному исследованию декоративно-прикладного искусства империи Тан (618–907) на примере металлических предметов столовой посуды из золота и серебра. Ремесленные технологии рассматриваются как ключевой фактор, определяющий не только художественную форму и структуру декора, но и общую эстетическую направленность искусства торевтики того периода. Уникальный художественный стиль золотых и серебряных изделий эпохи Тан был обусловлен как особенностями формы сосудов и характером декоративных мотивов, так и техникой их изготовления. В ряду этих причин именно техническим приемам принадлежала роль определяющего фактора в процессе формообразования, поскольку они оказывали огромное воздействие на декоративное оформление металлических изделий и их стилистику. В статье исследуются основные техники, применявшиеся в производстве танских золотых и серебряных изделий, причем особое внимание уделяется изучению воздействия приемов изготовления на сложение оригинальной стилистики и декоративного оформления произведений торевтики. Углубленное рассмотрение получили технические приемы ковки и выколотки, литья, скани, чеканки и гравировки, инкрустации и позолоты. Особое внимание уделяется технике ковки и выколотки, которая стала доминирующей в эпоху Тан, позволив мастерам перейти от плоских форм к сложным скульптурным и рельефным решениям. На основе анализа артефактов из крупнейших археологических находок — клада Хэцзяцунь и монастыря Фамэнь — в статье прослеживается стилистическая эволюция танского металла. Автор выявляет переход от лаконичного и монументального стиля периода расцвета (VII – начало VIII в.), испытавшего влияние сасанидских и согдийских традиций, к более утонченному, многослойному и «живописному» декору позднего периода. Исследование позволяет сделать вывод об органическом единстве техники, формы и орнамента, которое обеспечило исключительный художественный уровень изделий из драгоценных металлов и заложило высокие эстетические стандарты для последующих эпох китайского искусства.

Горы и деревья в «Альбоме рисунков Тайги» из фондов Сахалинского областного художественного музея

Ирина Геннадьевна Малькова, Ольга Валерьевна Лысенко — Вт, 30 июн 2026 00:00:00 +0300

В статье представлен анализ формирования раннего пейзажного стиля японского живописца и каллиграфа Икэ Тайги (1723–1776) на примере «Альбома рисунков Тайги» и трех входящих в него работ из фондов Сахалинского областного художественного музея. Будучи основоположником жанров бундзинга («живописи образованных людей») и синкэйдзу (топографической живописи, или «истинных видов»), художник синтезировал традиции японской, китайской и корейской школ, интегрировав в них элементы европейского изобразительного искусства, и создал свой оригинальный стиль пейзажа. Трансформация японского пейзажа в XVIII веке была обусловлена расширением культурных контактов: распространением китайских ксилографических альбомов и проникновением европейской эстетики через голландские гравюры. Цель статьи — выявить ключевые факторы формирования пейзажного стиля в раннем творчестве Икэ Тайги, а также ввести в научный оборот произведения мастера из собрания Сахалинского областного художественного музея. В центре внимания находятся работы из первого тома «Альбома рисунков Тайги», изданного посмертно в 1803 году его учеником Гэппо Синрё. Данное издание стало вторым в истории Японии полноценным методическим руководством по живописи, созданным национальным автором (после «Корзины картинок» в шести томах Хаяси Мориацу, 1721). Появление подобных альбомов ознаменовало отход японских художников от исключительного копирования китайских ксилографий и предвосхитило знаменитые «Манга» Кацусики Хокусая (1814–1819 и 1834–1878). До настоящего времени рассматриваемый альбом не становился объектом специального искусствоведческого исследования. Проведенное исследование опирается на комплекс искусствоведческих методов. Применение композиционно-художественного метода позволило проанализировать альбомные листы мастера. Благодаря культурно-историческому методу удалось выявить характерные особенности ранних пейзажей Икэ Тайги в контексте развития японского пейзажа и формирования жанра «бундзинга». Основные средства выразительности произведений определены с помощью образно-стилистического анализа альбомных листов. В результате исследования в ранних произведениях Икэ Тайги выявлен ряд стилеобразующих элементов пейзажа (изображения деревьев и гор) и влияние традиций дальневосточной (китайской и корейской) живописи и западноевропейского изобразительного искусства, характерные для художественного почерка Икэ Тайги. Анализ этих компонентов позволил определить истоки авторского стиля художника, получившего наиболее полное воплощение в пейзажах зрелого периода творчества (1760–1770-е годы).

Каллиграфическое искусство Чу Суйляна: проблемы генезиса и особенности художественной стилистики

Цзя Хоу, Доржсурэнгийн Уранчимэг — Вт, 30 июн 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена исследованию каллиграфии Чу Суйляна, выдающегося мастера эпохи Тан, чей стиль сформировался под сильным влиянием Оуян Сюня, другого ключевого каллиграфа того времени. Основная цель работы — проанализировать генезис стиля Чу Суйляна, выявив механизмы рецепции художественных принципов Оуян Сюня и особенности его собственного художественного языка. Исследование базируется на изучении исторических хроник, трактатов по каллиграфии и сравнительном формально-стилистическом анализе знаковых произведений обоих авторов (стел и надписей). Автор рассматривает эволюцию стиля Чу Суйляна в двух аспектах: через призму письменных источников и с точки зрения трансформации техники письма. Установлено, что на раннем этапе творчество мастера находилось под сильным влиянием Оуян Сюня, что проявлялось в построении иероглифов и композиционной структуре, трактовке штрихов и использовании элементов бафэнь — переходного каллиграфического стиля, который занимает промежуточное положение между лишу (официальным письмом) и кайшу (уставным письмом). Однако в дальнейшем Чу Суйлян вышел за рамки канона предшественника, обратившись к наследию Ван Сичжи и Ван Сяньчжи. Творческое переосмысление традиций позволило каллиграфу сформировать самостоятельную манеру, отличающуюся изяществом, пластичностью и гармоничным сочетанием строгости и мягкости. В статье подчеркивается, что изучение влияния Оуян Сюня является ключом к пониманию художественного языка Чу Суйляна, который не просто заимствовал технику, но трансформировал ее, обогатив уставное письмо эпохи Тан. Его работы стали значимым вкладом в развитие китайской каллиграфии.

Изваяния Будды в пещерах Юньган: особенности изобразительной типологии и художественное значение

Сарангэрэлийн Цолмон — Вт, 30 июн 2026 00:00:00 +0300

В статье проводится комплексное исследование буддийских скульптур пещер Юньган, созданных в эпоху государства Северная Вэй (386–534) и представляющих художественное наследие этнической группы сяньби. Государственно-религиозная политика этой империи, ее экономика, ремесла, культура и искусство являли собой уникальное историко-культурное явление, не имевшее аналогов среди других государств того времени. Скульптурный комплекс Юньган, включавший изображения пяти императоров сяньби, известен под названием «Пять пещер Тань Яо». В статье рассматриваются социально-экономические, религиозные и культурные процессы, отраженные в этом выдающемся памятнике, а также его значение для эволюции буддийской скульптуры в Евразии, определения закономерностей развития стиля, форм и декоративных особенностей. Особое внимание уделяется художественным и архитектурным особенностям комплекса, его географическому и символическому контексту, а также роли в межкультурном взаимодействии кочевых и оседлых народов Центральной Азии. Методология исследования включает историко-культурный, искусствоведческий, сравнительно-исторический и семиотический подходы. В результате выявлены основные этапы и формы развития буддийской пластики, обосновано влияние идеологии «Будда — Правитель — Герой» на формирование художественного стиля Северной Вэй, а также показана специфика синтеза сяньбийских, индийских и китайских традиций. Исследование имеет теоретическое и практическое значение для научного объяснения эстетики, символики и идейных взаимосвязей многоэтничной азиатской скульптуры, а также культурно-художественных связей.

Дигнага

Локеш Чандра; Софья Михайловна Белокурова — Вт, 30 июн 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена обзору иконографии Дигнаги — одного из первых логиков в теоретическом буддизме — в различных художественных и религиозных контекстах. Описаны варианты иконографии мыслителя, бытовавшие в центральноазиатском регионе: от ранних образов начала XVIII века в монгольском Ганджуре до ксилографических изображений в пантеоне «Аштасахасрика», а также в сборниках «Триста бурханов: пантеон трёхсот божеств» и «Триста шестьдесят икон: пантеон трехсот шестидесяти божеств в павильоне Фаньсянлоу» второй половины XVIII века. Эти изображения демонстрируют разнообразие региональных художественных традиций Монголии, Тибета и Китая. В статье кратко освещаются ключевые вехи биографии Дигнаги, его обучение в Наланде под руководством Васубандху, а также разработанная им теория познания. Статья основана на обширном историческом и иконографическом материале, включающем классические тексты буддийской традиции, ксилографические сборники, китайские императорские антологии, буддийские пантеоны божеств, а также современные исследования по восточной иконографии и буддийскому искусству. Представленные сведения могут быть использованы для точной атрибуции и интерпретации изображений Дигнаги, а также для изучения эволюции образов великих индийских пандитов в искусстве северного буддизма. Научный перевод и комментарии к статье Локеша Чандры из «Словаря буддийской иконографии» выполнены С.М. Белокуровой.

Загадка первобытного искусства: Restauratio Magna

Виктор Григорьевич Арсланов — Вт, 30 июн 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена осмыслению концепции первобытного искусства в рамках «течения» Михаила Лифшица и Дьёрдя Лукача. Эти создатели марксистской эстетики резко критиковали «советское» искусствознание и советскую философию, считая их карикатурой на марксизм. Ожесточенная полемика «течения» Лифшица – Лукача с вульгарным марксизмом и руководством Союза писателей СССР (А.А. Фадеевым, В.В. Ермиловым и др.) привела к фактическому исключению на долгие годы Лифшица, Лукача и других представителей «течения» из литературной и общественной жизни СССР. Книги Лукача, издававшиеся за рубежом, вплоть до середины 1980-х годов были недоступны советскому читателю, а главные философские идеи Лифшица, его онтогносеология и программа Restauratio Magna, стали известны только после кончины автора и публикации ряда книг из его обширного архива. Одной из первых посмертных публикаций стала книга Мих. Лифшица «Поэтическая справедливость» (1993), в которой излагалась концепция первобытного искусства, полемичная по отношению к представлениям об этом искусстве в советском и зарубежном искусствознании. В настоящей статье содержится аналитический обзор идей «течения» о первобытном искусстве и искусстве вообще как своеобразной «эвокации», то есть практике возрождения идеального начала бытия — «великого восстановления» (Restauratio Magna) человека и преображенной природы.

Термины «карикатура» и «шарж» в историческом развитии (на материале отечественных энциклопедий конца XIX – начала ХХI века)

Лев Дмитриевич Коган — Вт, 30 июн 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена актуальной проблеме современного гуманитарного знания — терминологической неопределенности понятий «карикатура» и «шарж» в их историческом развитии. Несмотря на широкое употребление этих терминов как в научной среде, так и в обществе, их трактовка до сих пор содержит разночтения. Цель работы — проследить эволюцию дефиниций данных понятий, выявив ключевые этапы формирования их научного понимания, а также проанализировать достоинства и недостатки существующих подходов. Исследование проведено на материале отечественных энциклопедических изданий конца XIX – начала XXI века.

В результате установлено, что термин «карикатура» обретает относительно точную характеристику в российской энциклопедической традиции лишь в XXI веке. При этом сложно выделить единственную статью, исчерпывающе описывающую это понятие: процесс научного поиска сопровождался как открытиями, так и упущениями. В отличие от этой ситуации, понимание шаржа как разновидности карикатуры в общих чертах сложилось уже в начале XX века, однако в тот период оно отличалось противоречивостью и отсутствием точных формулировок. К середине XX века оформилось научное представление о шарже, в дальнейшем остававшееся почти неизменным. Применительно к термину «карикатура» в советский период ключевым методологическим принципом выступает контекстуальный анализ: сопоставление статей трех изданий БСЭ в их историко-идеологической динамике позволяет выявить, как внешние политические факторы встраивали в определение понятия идеологические догмы. Особая сложность изучения понятий обусловлена их комплексным характером, что требует от исследователя применения междисциплинарного подхода, объединяющего достижения ряда гуманитарных наук. В статье показано, что изменение понимания карикатуры в советских энциклопедиях происходило на фоне более широких процессов: превращения жанра из «искажения натуры» в мощный инструмент пропаганды в период мировых войн и последующего осмысления его как сложного семиотического кода в эпоху коммуникативного бума 1950–1980-х годов. Такой ракурс позволяет избежать упрощенной трактовки, а также включить контекстуальный анализ в общую картину эволюции жанра.

«Искусство» ИИ: творчество или компиляция?

Ирина Валерьевна Фотиева — Вт, 30 июн 2026 00:00:00 +0300

В статье предлагается подход, позволяющий оценить возможность отнесения картин, созданных искусственным интеллектом, к искусству и, соответственно, сам процесс их создания — к художественному творчеству. Отмечается, что, хотя, по мнению многих критиков, развитие технологий ИИ представляет собой новый этап в развитии искусства, здесь встает ряд вопросов, связанных с интерпретациями самих понятий искусства и творчества, а также с проблемами исследования сознания. Показано, что в последние десятилетия представление о мозге как об универсальном компьютере подвергается серьезной критике. Это порождает целый ряд альтернативных гипотез и моделей, на новом уровне воспроизводящих философские представления об онтологии сознания, в частности в работах русских философов — представителей направления «метафизика всеединства». В них утверждается онтологическая открытость сознания единой идеально-материальной реальности и, соответственно, творчества как «прорыва» к этой реальности. Сделан вывод о том, что артефакты, созданные искусственным интеллектом, являются не результатом подлинного творчества, а компиляциями, отчасти сопоставимыми с сугубо «ремесленными» творениями художников, профессионально подготовленных, но не обладающих талантом. В целом продукты ИИ правомерно отнести к сфере массовой культуры; при этом они могут вполне успешно использоваться в различных областях, в частности в дизайне, преподавании и ряде других.

От редактора

Вт, 30 июн 2026 00:00:00 +0300

Очередной выпуск журнала «Искусство Евразии» посвящен одной из самых интересных и сложных тем — «Искусство и архитектура Восточно-Азиатского региона: от морфологии стилей к символике образов». В своих исследованиях, объединенных в рубрике «Форум», авторам удалось не только описать малоизученные произведения восточного искусства, но и раскрыть их глубокие смысловые слои с помощью искусствоведческо-семантического анализа.

«Архангел Михаил — воевода»: особенности ветковской иконографии

Галина Григорьевна Нечаева — Вт, 30 июн 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена исследованию иконографии образа «Архангел Михаил — воевода» в рамках традиционной культуры региона Ветки — Стародубья. Работа обобщает многолетние исследования Ветковского музея старообрядчества и белорусских традиций имени Ф.Г. Шклярова уникальных памятников иконописи, выявленных в экспедициях до 1991 года. Целью статьи является выявление особенностей ветковской иконографии «Архангела Михаила — воеводы», исследование ее специфики, исторического и культурного контекста, а также понимание процесса создания и распространения этого образа. В рамках историко-культурного подхода и с помощью сравнительного, иконографического и семиотического методов анализируются экспонаты музея — старообрядческие иконы XVIII–XIX веков ветковской школы, а также архивные записи и литературные источники, касающиеся иконописи и религиозных практик региона. Исследуются художественно-композиционные решения, разнообразие иконографических типов, народные мотивы и религиозные символы, отражающиеся в творчестве местных художников. Систематизируются варианты иконографической схемы. Выдвинуто предположение о самостоятельном ветковском развитии извода-архетипа XVI века с поворотом коня. Большое внимание уделено специфике представлений об огне в иконографии и связанной с ним семантике спасения, а также многообразию композиционных решений и культурных символов, представленных в произведениях иконописи. Важную роль играют историко-культурные контексты, связанные с развитием региональных школ иконописи, спецификой старообрядческой традиции и особенностями восприятия образа в народной иконологии. Результаты исследования позволяют выделить основные типы композиций, характерные для ветковской иконописи, установить взаимосвязь между местными культурными традициями и общерусскими тенденциями иконописи, выявить значимость образа «Архангела Михаила — воеводы» в народной культуре и религиозном сознании старообрядцев.

Творческое наследие Донгака Окаанчыка: к 130-летию мастера

Айлана Алексеевна Чап — Вт, 30 июн 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена творческому наследию Донгака Окаанчыка, выдающегося тувинского мастера резьбы по дереву и камню, а также по изготовлению национальных музыкальных инструментов. Работа ставит целью систематизацию разрозненных сведений о творчестве Окаанчыка, выявление его уникального стиля и места в истории тувинского народного искусства. Актуальность исследования обусловлена необходимостью восполнения пробелов в изучении тувинского искусства и приобретает особую важность в преддверии 130-летия со дня рождения мастера. В исследовании применен комплексный подход, включающий источниковедческий анализ, сравнительно-исторический и биографический методы, иконографический анализ. Статья содержит подробные описания конкретных работ мастера, включая их композицию, материалы, техники и символику. В качестве ценного эмпирического материала использованы также воспоминания родственников мастера, архивные данные и библиографические редкости. В статье представлен подробный анализ творчества Донгака Окаанчыка, охватывающий два основных направления: резьба по дереву и изготовление музыкальных инструментов. Деревянная скульптура малой формы отличается тщательной проработкой деталей, использованием традиционных орнаментальных мотивов в сочетании с элементами советской символики. Эти произведения демонстрируют реалистично-стилизованную манеру Д. Окаанчыка, камерность, использование нетипичных материалов (алюминий, кожа, текстиль). В изготовлении традиционных тувинских музыкальных инструментов также отмечено использование нестандартных материалов (жестяные банки), оригинальный декор с национальными орнаментами и советской символикой, гармоничность пропорций. В результате исследования Донгак Окаанчык предстает как уникальный мастер, чье творчество отражает трансформационные процессы тувинской культуры XX века. Он сумел создать узнаваемый авторский стиль, сочетающий народные (тувинские) мотивы, буддийскую иконографию и элементы советского искусства середины XX столетия. Статья подчеркивает значимость Окаанчыка как одного из старейших мастеров, заложивших основу современного тувинского искусства малой пластики.

К вопросу о создании секции полиграфических искусств Российской академии художественных наук: предпосылки, задачи, ключевые фигуры

Елена Эдуардовна Батаева, Вадим Александрович Любецкий — Вт, 30 июн 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена исследованию предпосылок создания секции полиграфических искусств Российской академии художественных наук (РАХН, с 1925 года — ГАХН) в 1922 году и ее деятельности на начальном этапе. Подчеркивается важность анализа исторического контекста, в котором возникла потребность объединить усилия творческих деятелей и ученых разных отраслей знания для разработки новых подходов к пониманию искусства книги и проблем полиграфии. Цель работы — выяснить предпосылки появления этой секции, проанализировать задачи, стоящие перед ней, и определить роль ключевых фигур в ее становлении. Материалом послужили официальные документы ГАХН, протоколы заседаний и иная документация секции, архивные документы, впервые вводимые в научный оборот, а также публикации периодической печати 1922–1932 годов. С помощью культурно-исторического и сравнительного методов реконструированы наиболее важные этапы формирования секции и определена ее роль в развитии книжного дела в России.

В результате изучены организационная структура секции, планы работы и круг вопросов, обсуждавшихся на ее заседаниях в период с апреля по октябрь 1922 года. Особое внимание уделено ключевым фигурам ГАХН и секции полиграфических искусств — П.С. Когану, А.А. Сидорову. Авторы приходят к выводу, что появление секции стало следствием сложных социальных и экономических изменений, происходящих в Советской России в 1920-е годы. Создание секции по инициативе А.А. Сидорова способствовало преодолению разрыва между художником-творцом и учеными-исследователями, открыло перспективы дальнейших исследований книги как феномена культуры. Участники секции внесли значительный вклад в разработку нового направления искусства книги, разработали методологию анализа и создали ряд фундаментальных трудов, где были определены важные тенденции в российском книжном искусстве, проведен системный анализ исторических этапов развития книги и обозначены пути повышения качества отечественной полиграфии. Изучение опыта секции способствует углублению понимания принципов взаимодействия искусства и науки, что актуально для современного искусствознания. Работа показывает, каким образом взаимодействие профессионалов разных специальностей помогает создавать инновационные подходы к решению практических задач, возникающих в процессе освоения новых технологий и жанров искусства.

Ленинградская «школа» литографии: выставка советской графики в Лондоне (1961) в контексте времени и в исторической перспективе

Александр Олегович Котломанов — Вт, 30 июн 2026 00:00:00 +0300

Исследование обращено к феномену ленинградской «школы» литографии, в истории которой важное место занимал факт ее международного признания в период «оттепели». Среди прочего это было связано с выставкой, состоявшейся в галерее Гросвенор в Лондоне в 1961 году, после чего работы ленинградских художников были также показаны в США и приобретены в некоторые известные собрания. Поскольку интерес к этому событию до сих пор сохраняется и отражается в различных инициативах, касающихся своеобразия петербургской (ленинградской) художественной традиции, оно представляется актуальным поводом вновь обратиться, хотя бы опосредованно, к вопросам идентичности петербургского искусства. Как объект контекстуального исследования выставка в Лондоне анализируется с различных сторон. Во-первых, прослеживается ее предыстория, связанная с проведением зарубежных экспозиций советской графики (конец 1930-х – 1950-е), а также русской и советской живописи (1959). В связи с этим уделяется внимание и дискурсу британской арт-критики того времени. Во-вторых, рассматривается контекст английской печатной графики, один из видных представителей которой, художник Джулиан Тревельян, посетил незадолго до открытия выставки ленинградский Союз художников и в 1961 году опубликовал свои впечатления в журнале «The Studio». В-третьих, отталкиваясь от рецептивных формулировок английских критиков, автор обсуждает вопросы художественной стилистики в диапазоне между соцреализмом и «фигуративным» искусством. Итоговые выводы сосредоточены на проблеме интернациональной транскрипции образно-стилистического языка отечественного искусства, в частности ленинградской графики XX века.

Трансформация отечественной художественной деятельности в 1933 году (на материалах Ленинграда и Иркутска)

Яна Юрьевна Лисицина — Вт, 30 июн 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена анализу трансформации художественной деятельности и институционализации советского искусства. Цель исследования — выявить механизмы конкретизации идеологических установок в художественной среде в 1933 году. Актуальность работы обусловлена необходимостью уточнения процессов становления советской художественной системы на уровне локальных практик, а не только общегосударственных решений. Научная новизна заключается в сопоставительном анализе материалов Ленинграда и Иркутска за 1933 год, что позволяет рассматривать этот период как самостоятельный этап формирования советской художественной модели.

Показано, каким образом в системе «центр – периферия» формировалась художественная практика на институциональном и дискурсивном уровнях, что сопровождалось трансформацией условий и способов творческой деятельности. В рамках этого процесса происходило содержательное наполнение идеологических установок, приведшее к становлению универсальной, иерархически организованной художественной модели. Анализ сосредоточен на двух культурных событиях 1933 года в Ленинграде и Иркутске, различающихся по формату и масштабу, но включенных в единый процесс. Это позволяет проследить реализацию государственного курса в области искусства в различных социокультурных и территориальных условиях.

Источниковую базу исследования составляют архивные материалы ЦГАЛИ Санкт-Петербурга и ЦДНИ ГАИО (Иркутск). Теоретико-методологическую основу образуют концепция поля культурного производства П. Бурдьё и анализ режимов истины М. Фуко, а также работы М. Мееровича, в которых художественная сфера рассматривается в контексте распределения ресурсов и институционального регулирования. Учитываются исследования по истории советского искусства, в которых обозначены общие принципы его институционализации, однако их реализация в региональных условиях остается недостаточно изученной. Установлено, что в 1933 году трансформация художественной деятельности носила не только организационный, но и нормативный характер: формировалась система профессиональных требований, критериев и механизмов признания. Критерии оценки смещаются от эстетических оснований к процедурам официального одобрения, где мастерство соотносится с тематикой и трактовкой образа, определяемыми идеологическими и организационными требованиями. Выявлено, что формирование советской художественной модели сопровождалось переходом от относительной автономии художественного поля к режиму внешнего регулирования, при этом универсализация сочеталась с различиями между центром и периферией. Обосновано, что 1933 год следует рассматривать как самостоятельный этап становления советской художественной системы, связанный с практической реализацией и закреплением новых нормативных установок.

Мифическая география: о художественном акционизме ФРГ 1960–1980-х годов

Евгения Валерьевна Орлова — Вт, 30 июн 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена анализу художественного мышления и концепции мифической географии в творчестве Йозефа Бойса в 1960–1980-х годах в контексте немецкого художественного акционизма и постмодернизма. Автор исследует символическую природу перформансов, инсталляций и мифологических образов художника, а также роль иронии в смысловом пространстве произведений. В работе использованы иконографический и семиотический методы для выявления ключевых символов и образов, представленных в работах Бойса, а также интерпретационные подходы, основанные на трудах Р. Барта, К. Хюбнера, Ж. Делёза и Ю. Хабермаса. Эмпирическая база включает описание конкретных перформансов, инсталляций, а также художественные манифесты и интервью Й. Бойса. В статье анализируются исторические и культурные корни мифологической тематики, такие как теософия, антропософия и народные предания, влияющие на формирование уникальной «мифической географии» художника, которая воплощается через символические знаки, перформансы и ритуальные жесты, указывая на трансцендентные и архетипические смыслы.

В результате выделены основные характеристики художественного акционизма Йозефа Бойса, подчеркивающие важность взаимодействия между индивидуальным восприятием и коллективным бессознательным. Установлено, что его творчество носит иронический характер, переосмысливает классические мифы, религиозные мотивы и народные символы, создавая пространство, объединяющее духовное и ментальное в условном «пространстве Евразии». Определены особенности построения символического пространства, используемого в перформансах и инсталляциях, раскрывающих двойственность символических образов («животные-символы», предметы быта, природные объекты) и их эмоционально-психологическое воздействие на зрителей. Акцент сделан на необходимости понимания исторического контекста, в котором возникло и развивалось творчество художника, и значении метода ироничного переосмысления классических канонов и ценностей. Выводы исследования подтверждают ключевую роль субъективной мифологии в формировании индивидуального стиля Йозефа Бойса, демонстрируя уникальный вклад художника в развитие европейского искусства второй половины XX века.

«Мы от рода русского...»: концептуализация понятия «русскости» в современной исторической живописи Григория Гукасова

Полина Владимировна Ярошевич — Вт, 30 июн 2026 00:00:00 +0300

Статья посвящена анализу творчества Григория Гукасова в контексте современной академической живописи и осмысления национальной самоидентификации. Материалом для исследования послужили произведения, представленные на выставке художника «Мы от рода русского…» в Государственном Русском музее в 2025 году, а также эскизы и этюды мастера, интервью с ним. Исследование предлагает изучение художественного метода, философской программы и содержательной составляющей произведений мастера. В основе статьи лежит формально-стилистический и иконографический анализ, выходящий за рамки описания выставочного материала. Автор статьи рассматривает живописные полотна Гукасова как способ осмысления национальной идентичности, анализируя, как исторические сюжеты и академическая техника в его исполнении способствуют диалогу со зрителем о понятии «русскости». Исследование выявляет, что творческий метод Г.А. Гукасова базируется на глубоком знании классической академической школы, которая обогащается его индивидуальной «пастозной» манерой письма и мастерским использованием света. Художник стремится не навязывать зрителю оценочные суждения, а провоцировать его к размышлениям об истории и национальной самоидентификации. Анализ ключевых произведений демонстрирует, как художник через исторические сюжеты и символику раскрывает свое понимание «русскости». Особое внимание уделяется символической нагрузке произведений, связи с древнерусскими памятниками. Исследование расширяет представления о современном академическом искусстве и его потенциале в исследовании вопросов национальной идентичности. Предложен новый подход к интерпретации творчества художника, основанный на анализе связи между художественным методом, содержательной программой творчества и его воздействием на зрителя в аспекте национальной самоидентификации.